Charles Mingus The Black Saint And Sinner Lady

Por: Eduardo Hernández

The Black Saint And Sinner Lady es una obra que parece haber sido pensada para la danza, es también una síntesis de toda su obra anterior y sorprende por su estructura, muy similar a la sinfónica.

En las aportaciones de los músicos llama la atención, por un lado, el empleo “español” de la guitarra, que recuerda, en parte, el pasado “chicano” de Mingus, y, sobre todo, el papel solista del saxofón alto de Charlie Mariano.

Charles Mingus (Kathy Sloane, photographer)
Fotografía de Kathy Sloane

La música presenta constantes cruces entre la tradición europea y el bop, tejido todo ello con el entusiasmo y vigor de la interpretación. Es una verdadera música romántica, escrita de modo exuberante para la orquesta, en la que destaca sobre todo el trabajo armónico muy cercano a lo modal y, por poner algún pero, quizá se eche en falta un toque melódico más convincente.

El disco es una obra maestra, imagen virtual de Ellington, y contiene todas las esencias de la música de Mingus.

Conviene, por lo demás, hacer notar que dos de los temas de su siguiente trabajo orquestal -el álbum “Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus“-, “I X Love” y “Celia” fueron grabados en esta misma sesión del 20 de enero de 1963, la cual también fue la primera grabación del sello Impulse.

Nunca es tarde para acercarse a un género musical, y menos si uno comienza por Charles Mingus, hablar del Jazz y de Charles Mingus es un sinónimo de descubrimiento y de experimentación. Escuchar discos como Clown, Ah Um, The Black Saint And Sinner Lady y ver la ejecución que tiene al lado de Eric Dolphy en Belgica ’64 es una experiencia que se debe vivir al filo de la noche para romper el silencio que esta guarda.

Tal vez, desde mi opinión, es por eso que las radios universitarias manejan demasiado jazz, porque se vincula con la vida universitaria: con aprender, con experimentar, con descubrir o con redescubrir aquello que parecía olvidado y obsoleto, y que, sin embargo, sigue vigente y con la misma fuerza que cuando comenzó.

Mingus, no solamente fue compositor, también lucho contra la discriminación, y una manera de luchar fue ejecutar un instrumento el cual le dijeron que sólo podía ser manipulado por personas blancas. El hombre que era conocido por tener un carácter sumamente fuerte, que arrancaba las cuerdas del piano con la mano, que no le importaba que fueras un personaje conocido en el jazz pues en un momento podía descargar su puño sobre tu quijada y después te pediría perdón y seguirías trabajando con él.

 

Las Juventudes de la CDMX

Por: Julio Espejel

En el último paseo que tuve por la Glorieta de los Insurgentes, lugar que siempre me ha parecido es un ombligo muy importante y altamente diverso en nuestra Ciudad, me encontré con que en la explanada, en la cual hasta a El Tri me ha tocado ver, había un grupo de gente presenciando una función de teatro, muy entretenida según noté; así que decidí acercarme un poco y ver de qué se trataba.

Resulta que lo primero que noté fue que era algo de leyendas que, de acuerdo a las fechas de muertos recién terminadas y lo evidentemente “pre-hispánico” que unas coloridas máscaras de ese estilo me dejaron entrever, supe más o menos de qué iba la historia, que ya llevaba rato de haber empezado. Poco a poco me fui acercando cada vez más porque, efectivamente, era una obra entretenida para esa tarde entre semana.

Con una sencilla y clara manera de mostrar a los personajes, con muy pocos elementos pero mucho desenvolvimiento escénico ¡y en plena Glorieta!, lograban expandir los recursos a una gran distancia. Me llamó la atención que la gente estaba muy emocionada tomando fotos y sonriendo ante tal irrupción en el espacio y en su día. ¡Qué hermosa oportunidad! Los espectadores por supuesto no esperan ser detenidos con una obra de teatro, o cosa similar.

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Semana de las Juventudes – Julio Espejel

¡Qué interesante!, pensé esta vez. ¿Qué tanto se podría hacer con un espacio así?

Y continué observando mientras me intrigaba cada vez más descubrir de qué evento se trataba. Hurgaba información en cualquier lugar a la redonda, tratando de no interrumpir el trabajo de los actores que brincaban de un lado a otro mientras se peleaban los 3 únicos micrófonos; de pedestal. Tomé un par de fotos y rodeé hacia el otro extremo buscando una señal. Allí estaba: me encontré con unas pancartas tomadas cada una por uno o dos jóvenes con un chaleco verde, como si fueran a nadar, todos llenos de entusiasmo.

Entre que miraba el final del espectáculo y que preferí tomar fotos a la información del evento, que ellos tenían en sus carteles, me fui acercando. Foto. Y al otro: Foto. Siguiente:¡Foto! Ellos muy entusiastas atrayendo a otros jóvenes al evento. ¡Foto!

Pero para cuando la obra de teatro terminó, la historia modificó de cierta manera: un hombre de unos 30 años quien, evidentemente vivía en situación de calle, se paró en medio escenario y se puso a bailar como un profesional, hasta donde la mona lo dejaba. Por supuesto que causó conmoción y no puede evitar el tomar un video (muy improvisado, por cierto) y comenzó mi análisis.

Regresé donde las pancartas y pregunté de qué se trataba todo eso a uno de los colaboradores más entusiastas. Me respondió que era “LA SEMANA DE LAS JUVENTUDES EN CDMX”.

¡Órale, qué loco! pensé. Y pregunté la finalidad de dichas manifestaciones: “colocadas en espacios poco frecuentados por grupos artísticos y al alcance de todo aquél que estuviera alrededor, principalmente los grupos de jóvenes más vulnerables para atender a sus carencias de oferta cultural y espacios de expresión”, según las propias palabras de el del chaleco.

¡Órale! Volví a pensar.

Según yo, este proyecto que busca repetirse cada año, a pesar de ser una excelente iniciativa, no estaba cubriendo la necesidad que busca satisfacer y eso lo reafirmé cuando nuestro bailarín en cuestión se cansó de ser el centro de atención y casi se cae, así que decidió regresar a la mona con su compadre el bolero y seguir tomando su refresco, a la espera de lo siguiente que sucedería en el “escenario”. Y a simple vista ya no hubo más.

Pero como la idea de “los más vulnerables” ya había sido insertada en mi cabeza, me fui acercando ahora a la pareja de relegados sociales que terminó siendo un grupo de tres cuando se acercó otro, que era extranjero y que evidentemente estaba, como los otros dos, viendo qué podía sacar de los transeúntes para poder continuar con su largo día en las calles.

Intentaron sacarme dinero, por cierto, argumentando que yo era extranjero y que ellos podían auxiliarme en la peligrosa Ciudad de México. Con un par de “a huevo”, un “te vas tendido” y algunas otras palabras muy de los capitalinos, carnales del mero barrio, para evitar algún atraco, le pinté raya y terminamos platicando muy amenamente de la policía.

Como quiera me zafé y observé, ya de lejos, a la estrella de esa tarde en “LA SEMANA DE LAS JUVENTUDES”; de cómo lo ignoraban después del primer baile, por más que él gritaba desesperadamente por un poco de atención. Quizá por un poco de compasión. Luego vi cómo transeúntes y usuarios del metro de pronto se volvían a sumergir en la cotidianeidad y sus problemas, olvidando los 15 minutos de show. Y de cómo a poco el hombre de naranja se fue sumergiendo a su vez en su mona y en sus problemas, olvidando los 5 minutos de fama y extinguiéndose en un rincón de la Glorieta de los Insurgentes, ombligo tan importante y diverso de nuestra ciudad.

¿Es real?

Repito: La necesidad del espacio no fue cubierta por el evento como fue concebida inicialmente, según yo. A pesar de que por “JUVENTUDES” supongo que se refieren, principalmente a  los que apenas están definiendo qué sucederá en su futuro, preparatorianos, universitarios y otros “estudi-hambres” o hasta los “ninis”, el sector de los jóvenes que trabajan por necesidad, etcétera; pero y ¿qué pasó con la necesidad de los “más vulnerables y desprotegidos que no tienen acceso a la cultura y a los espacios”? (SIC).

Evidentemente nuestro Joker región 4 tenía un determinado talento y muchas ganas de expresarlo. ¡Claro! ¡No era ninguno de El Gran Silencio o de algún grupo de teatro que pudiera presentarse! ¿Y sus ganas? ¿Y su caso? ¿Y su beca? ¿Y su reinserción a la sociedad gracias a un evento cultural, dónde quedó?

Mucho entusiasmo de los colaboradores de las pancartas dando la información para que todo llegáramos a los muchos eventos gratuitos que se hicieron por distintas alcaldías en lugares públicos muy populares. Muy bien. Pero realmente, ¿dónde estaban los verdaderos organizadores? ¿Dónde quedaron los que pusieron a funcionar y dieron marcha a la iniciativa? ¿Detrás de un escritorio? ¿O tomando fotos de lo que sucedía acerca de la presentación, sólo para reportarlo?

Considérenme un Grinch pero espero que todos aquellos que asistieron a alguno de los magnos eventos generados, lo hayan disfrutado mucho, hayan llevado su agua y sus papas para poder ver a su artista de forma gratuita y disfrutar, efectivamente, de una presentación única hecha para ellos, los jóvenes que forjan el futuro no sólo de la Ciudad sino del país. Que les haya modificado la vida. Por mi parte decidí no volver a interesarme en dar seguimiento a dichas actividades, por lo menos hasta la siguiente edición (si es que la hay) y mejor decidí compartirles este último episodio de mi paso por ese común y transitado lugar que, siempre me ha de sacar de la cotidianidad.

¡Ya no están tan chavas!

Por Julizza A.

En el teatro, estamos en una época en la que muchas obras están retomándose, están volviendo a tener algunas presentaciones inesperadas o son un pequeño bocadillo que está por una corta temporada y ¡no podrá volver a verse jamás!
Y es que, en esta ocasión me toca hablar de teatro. Por supuesto no es necesario que ustedes sean eruditos en la materia para leer y comentar mis colaboraciones. Prometo irme en ellas con un lenguaje sencillo y sin tantos tecnicismos que, al final podrían hacerlos perder el interés en una más de todas aquellas cosas que, a veces, son satanizadas y condenadas sin una verdadera razón sólo por ser abordadas desde un selectivo nicho cultural en el que los críticos se posan. Aquí lo importante es que ustedes los lectores, reciban un punto de vista más personal y las recomendaciones pertinentes que, contrario a lo antes mencionado, les despierten el interés de acudir, a pesar de no tener ninguna experiencia en el tema. Además la obra de la que voy a contarles viene perfecto con el tema Xennial de la columna. Como quien dice, me resultó muy oportuno recomendársela a las chava-rucas de hoy. Y a sus parejas también. Continúo.
Hace algunas semanas asistí a una de las funciones de “Confesiones de mujeres de 30”, una de las muchas obras que están siendo repuestas en la cartelera. ¡Qué sorpresa!
“Confesiones…” ya había tenido una larga temporada hace algunos años (a partir de 1997) aquí en CDMX y fue una de las primeras obras con las que Morris Gilbert y la empresa productora de espectáculos comenzaron a trabajar juntos, logrando 15 años en escena con más de 4000 representaciones, pasando por distintos elencos y un constante éxito en sus temporadas. Dalilah Polanco, Lola Cortés, Ginny Hoffman, Lorena de la Garza, Georgina Levín, entre muchas otras, son algunos de los nombres de quienes se encargaron de dar vida a sus personajes y que, suman más de 30 actrices que han pasado por dicho montaje.
La dirección corre a cargo de Lía Jelín una vez más; ella ya ha participado en otras obras para OCESA Teatro, como “TOC TOC” (la cual también ha sido remontada) o “Nosotras que nos queremos tanto”; entre sus idas a venidas a su natal Argentina, tiene rato trabajando en México y una vez más, vuelve para refrescar el texto y dejarnos con un excelente producto para pasar un rato lleno de risas, con un remake totalmente actual porque, efectivamente a pesar de ser la misma obra, los temas han sido actualizados haciéndola más interesante.
Yo desconocía parte de esta información, supongo que como muchos de ustedes, sin embargo sí tenía el recuerdo de haber ido varias veces en las puestas anteriores y haberlo pasado como en pocas ocasiones, así que por supuesto que dan ganas de volverla a ver y de llevar a más gente (principalmente a los más jóvenes) a disfrutar de las peripecias y anécdotas que en ella se narran y que, en ésta nueva versión, está perfectamente sostenido por el trabajo de las actrices y de la producción, quienes mantienen un ritmo impecable durante toda la función y nos sumergen en las obsesiones, traumas, pensamientos y experiencias de tres mujeres que llegan a una edad en la que deben replantear su forma de comportarse y de vivir la vida. ¡Porque ya no tienen 20!

Fotografía de Julio Espejel

Otro de los detalles que ha caracterizado el montaje en México, es que reúne a actrices con experiencia y nuevos talentos para obtener un cocktail garantizado en las interpretaciones. En ésta ocasión tocó el turno a Paola Arrioja, Patricia Gallo y María Gonllegos quienes alternan y comparten el escenario con Ana Cecilia Anzaldúa, de quien me declaro fan luego de haberla visto en “El Violinista en el tejado”, “Los Productores”, “La línea del coro” (inicialmente) o en “La Bella y la Bestia”, “Wicked” o “Mentiras”, en las que ha participado como protagonista o con personajes de gran peso y que, sin duda la han dotado de un tremendo manejo del escenario y de un renombre no solamente por su desempeño vocal sino por su trabajo como actriz y su brillo en escena. Resulta un placer verla en acción, totalmente entregada y divertida como en otros montajes no la he visto ya que, precisamente, la estructura de ésta obra permite a las actrices oscilar por las anécdotas, lugares e interacciones, de una manera especialmente relajada y empezando con la diversión entre ellas mismas y una camaradería que, por supuesto, captamos como público.
Está fácil: todos hemos pasado o vamos a pasar por la crisis de los 30, por lo que resulta un tema que seguramente a todos nos va a hacer ruido y provocar mucha diversión al vernos representados o recordar a alguien conocido en las situaciones que las tres actrices comparten en un escenario casi vacío pero muy bien aprovechado y adornado por un diseño de iluminación y sonoro, bastante efectivos.
Yo no sé si efectivamente el público pidió desesperadamente que volviera a presentarse, como decían algunos encabezados pero lo que sí sé es que, con un poco de provocaciones a la nostalgia, un tema llevado a nuestra época con tanta efectividad y con todo el entusiasmo que ponen en realizar cada función, sí se convierte en una obra que, a los que nos interesa lo que sucede con el teatro en México, no deberíamos dejar pasar y los que sólo tienen la idea de ir a entretenerse con algún espectáculo e invertir bien al pagar su entrada, resulta una obra que es una excelente opción y que por cierto, según supe, termina temporada ya a finales de abril. Como dicen éstas mujeres: es “ahora o nunca”. ¡Sólo es cosa de atreverse y disfrutar!

Fotografía tomada de la red

No se la pierdan en el Teatro Fernando Soler (Centro Teatral Manolo Fábregas) de viernes a domingo en distintos horarios. ¡Les aseguro que no se van a arrepentir!

¡Nos leemos pronto!

Werner Karloff

por Eduardo Hernández

 Twitter: @El_Doc_Tetris

¿Qué pasa si unes al actor Werner Krauzz del Dr. Caligari y al actor de películas de terror Boris Karloff? Posiblemente ejecutes buenas actuaciones como lo fueron aquellas películas, combinando siempre todo el expresionismo alemán y el cine de terror, pero y si, ¿lo que resultara fuera alguien tocando minim al wave y synth-wave?

Werner Karloff, es un proyecto musical de la Ciudad de México, enfocado en ritmos como el Minimal y Synth-Wave, con una carga de la movida alemana del NDW con grupo como Andi Arroganti o DAF, cuando llegue a ver algunos de sus videos y lo relaciona con los paisajes grises de las zonas industriales, y claro, también está influenciado por el futurismo Italiano.

Antes de este proyecto tuvo otro llamado Neue Strassen, la temática era similar solo que en el sonido le acompañaba una guitarra cargo de Dan Shamble y el cual solo quedó pausado por un breve momento pues el año pasado se dio a conocer un LP titulado Moderne Zeiten el cual fue editado por el sello peruano Infravox Records, sin embargo, no solo colaboró en este proyecto, también estuvo involucrado en Rhythmus 23, una grupo conformado por él, Anna Fyodorovna (Anna Utopian) y Equinoxious.

Fotografía del Facebook oficial de Werner Karloff

En palabras de Werner para una entrevista de La Vitrine Psychique había dicho que en cierto momento se llegó a tener problemas por no encontrar espacios donde tocar o que no tuvieran una buena aceptación por parte del público pero eso no los detuvo. Aunque el género no es nuevo, hubo un momento en el que quedó casi en el olvido en México, tal vez aunque hubo promotores de esta movida de Synth, pero solo se dio a conocer lo más comercial en ese momento como Trio con Da da da, Nena con 99 Luftballons o Peter Schilling con Major Tom y que siguen sonando hasta la fecha.

Werner ha participado con diferentes sellos en Estados unidos, España y Alemania, esta última ciudad lo acogió bajo el sello Young Records, quien se ha encargado de lanzar sus últimos álbumes y en 2017 formo parte del Festival Waveteef en su cuarta edición, celebrado en la ciudad de Hamburgo.

Werner nos sorprende con sus ritmos análogos y sin duda es un muy buen proyecto dentro del género del Synth Wave, uno de sus trabajos que llamo mi atención fue el Tanz Der Automaten, álbum lanzado en 2016, un álbum con buen ritmo, puede sonar un poco oscuro y tenebroso pero una vez que nos adentramos en el sabemos que solo es un pasaje por una zona industrial en un día gris. Esperemos tener más noticias sobre este proyecto, y claro, para los amantes del vinilo y cassette, algunos de sus trabajos han salido en este formato.

https://neuestrassen.bandcamp.com/album/neue-strassen-moderne-zeiten-lp

https://wernerkarloff.bandcamp.com/album/tanz-der-automaten-lp-cd-format-by-young-cold-records-germany

JOHANN SEBASTIAN BACH (21 de marzo de 1685-28 de Julio de 1780)

por Iram De la Rochefoucault

Eisenach, la ciudad del Sacro Imperio Romano Germánico vio nacer en 1685 al Padre de la Música: Johann Sebastian Bach, el compositor que revolucionó la música de una manera que aún hoy día permanece. Es el compositor más influyente de todos los tiempos y para todas las generaciones y países, simplemente una especie de semidiós de la música, un ser eterno.

Nacido en una familia de músicos, todos sus antepasados se dedicaron a la música, era el oficio familiar, la tradición de los Bach. Los Bach eran una familia numerosa, sencilla, gente trabajadora y nada pretenciosa, aspiraban más que nada y como todos los músicos de su tiempo, a ser parte de los grupos de música en las capillas más importantes de las ciudades y tener el visto bueno de los nobles, los más ambiciosos podían ser directores o Kapellmeister (maestro de capilla). Desde joven Johann Sebastian demostró cualidades y aptitudes notables, además de ser apto para la interpretación, desarrolló algo mucho más importante: la habilidad y capacidad de composición musical.

Fue educado por su hermano Johann Christoph hacia los nueve años porque su padre murió. Sus facultades musicales se desarrollaron por un interés muy peculiar en ese pequeño Johann Sebastian, era tal su pensamiento y afición a la música que incluso por las noches deseaba practicar y estudiar y escribir notas musicales. Realmente había nacido para la música, no sólo por su destino familiar, sino porque su ser, su alma y mente se lo pedían. Él era un ser musical, definitivamente.

Su vida, estudios y experiencias tuvieron siempre la música como parte importante de su existencia. Perfeccionó su voz para ser parte de coros, aprendió el clavicémbalo como fundamento de su vida musical y compositora, pero cuando viajó a Hamburgo escuchó el Organo de Böhm en la Johanniskirche y se dedicó a aprender ese magnífico y magistral instrumento. Y sí, logró ser organista en Turingia.

Su carrera pasó por muchos altibajos, pero nunca, jamás dejó la música, era su oficio, su vida, su lenguaje. Podríamos mencionar una obra… importante, o cuál podría ser “lo mejor” de Bach, podríamos recomendar algo en particular; pero es imposible, porque cada composición, cada pieza musical es importante, es lo mejor y lo más recomendable. La obra de Bach es muy extensa, de hecho hay obras que están perdidas, otras quizá desaparecieron para siempre, era un tipo que trabajaba como un poseso, nunca dejó de escribir, nunca dejó de crear, su necesidad de inventar lo hacía, a veces, autoplagiarse y muchas piezas conocidas pueden incluso tener otros nombres o registros; tanto era su trabajo, tantas composiciones que resultaba casi imposible numerarlas; pero aún así se hizo. En 1950 Wolfgang Schmieder realizó el registro de 1128 obras de Bach bajo el código BWV (Bach-Werke-Verzeichnis; catálogo de obras de Bach). Pero aún así, de repente siguen descubriendo algunas obras perdidas y el catálogo sigue creciendo.

Celebremos hoy al genio, al Maestro Johann Sebastian Bach (aunque, hay que considerar; la fecha del 21 de marzo corresponde al Calendario Juliano que los alemanes usaban hasta esos años; pero adaptado al Calendario Gregoriano, que es el que se usa hoy día, sería la fecha del 31 de marzo, pero celebramos hoy también, ¿por qué no?)

Thelonious Monk Underground

– Eduardo Hernández

Hace tiempo me encontré con algunos capítulos de una serie llamada “Hey Arnold”, estoy seguro que muchos de nosotros vivimos atrapados bajo una barra de programación de Canal 5, es comprensible, eramos niños. De esta serie recuerdo la música, era Jazz y un poco de Trip-Hop, pero dentro del jazz manejaban el bebop, las situaciones donde entraba esto era cuando Arnold se tiraba en la cama y veía al cielo.

Ver algunos de los capítulos me hizo recordar un disco de Thelonious Monk, “Underground” fue un impresionante, pues al año siguiente de este le dio un Grammy por el mejor álbum, en la portada Monk se muestra como un miembro de la Resistencia Francesa, atrincherado y preparando su piano para la batalla, esto a partir de una historia que él cuenta, donde estuvo involucrado con la Resistencia en la segunda guerra mundial, aunque la critica la considera como la batalla que enfrentaba el jazz ante los diferentes cambios y Monk es uno de los supervivientes de la antigua época y que se resistía a los nuevos cambios, pues el ritmo de Monk no cambio mucho desde sus inicios en 1947, pionero del bebob y una influencia marcada por el hard bop y del jazz modal.

El disco se compone por siete temas, los cuales fueron grabados por el sello Columbia y por el cuarteto que dirigía Monk, uno de estos temas es un vals “Ugly Beauty”, una fea belleza, algunas otras temas resaltan al estar compuestos en situaciones cotidianas de la vida de Monk, como “Boo Boo’s Birthday”, el nombre se debe al apodo de su hija y “I Walked Blue”, tema que lleva un acompañamiento de voz por parte de Jon Hendricks.

Monk, el pianista solapado que irritaba a Miles Davis por no cambiar su forma de tocar y de componer y que por esos detalles se dice que llegaron a los golpes, pero aun así se logró grabar el “Miles Davis and the Modern Jazz Giants”. Pero no todo fue miel sobre hojuelas, las esquizofrénicas composiciones se le subieron a la cabeza y Monk tuvo que abandonar los escenarios y después morir por un ataque cardiaco. Los últimos días antes de su muerte se la pasó recluido en él mismo, solo, en un silencio que según decía es el ruido más estruendoso que existe en el mundo.

Sound System de barrio

– Eduardo Hernández

Ah, diciembre… aquel bonito mes donde puedes festejar el cumpleaños de Isaac Newton o el del niñito dios, porque pues diciembre, este mes marcado por fiestas en exceso, despilfarro de dinero, mes del no preocuparse, de hacer compras exitosas diciendo “para eso trabajo”, este mes no te importa romper la dieta, porque hay convivios, tamalitos, tráfico de galletas de animalito, esas galletitas que les haces el feo, pero ah qué bien saben la primer quincena de enero, esa donde si eres un asalariado como yo, ya te adelantaron desde el mes de diciembre.

Pero no nos pongamos Grinch, diciembre también está marcado por esas posadas que en algunos lugares hacen en las calles de tu colonia, barrio o unidad habitacional, y siempre hay alguien que se pone muy rebelde con la música, el porqué es sencillo, en la mayoría de esas posadas hay algún sonidero, un vecino de la colonia que lleva su camioneta cargada de un equipo de sonido, que si no es muy sofisticado siempre va a dar batalla para poner los mejores cumbiones, sean nuevos o viejos. En una de esas posadas, fui y pusieron casi de todo tipo de cumbias, hasta algunas sonideras que sonaban mucho en mi época de la secundaria, no estamos muy alejados, hace unos 10 añitos.

Pero porque hacerle feo al sonido, al sonidero? Si algo siempre han presumido las nuevas generaciones es que con memes dicen “Mi barrio me respalda” pero más allá de eso, no pueden soportar tres cumbias, a menos que sean sinfónicas o con alguna estrella de talla grande. Estoy de acuerdo que a muchos si nos llegó a molestar el hecho de viajar en transporte público y que el señor chófer llevará su disco en formato MP3 con las mejores cumbias sonadas en plaza los gallos o en algún barrio de buena alcurnia para ese género musical. En lo personal me molestaba más que llevara banda, corridos o una estación de radio que ya no ofrecía nada nuevo.

Cuando comencé a meterme un poco más en el ambiente de conocer sobre música, me pude dar cuenta que el tener un sonido no solo era ir y poner la cumbia del momento, sino que cuando comenzó aquel movimiento sonidero, había cierta rivalidad musical por ver quién tenía antes que todos la mejor cumbia colombiana, quién tenía la salsa de salón y la salsa de barrio, pero esta pelea era especial, que constaba en quitar las etiquetas de los vinilos y ahora ponerle un nombre nuevo a aquel tema para que ningún otro sonido pudiera saber cuál era. Por eso muchas salsas y cumbias hasta la fecha tienen nombres diferentes, la más conocida es un tema de Los Mirlos llamada La Danza de Los Mirlos y aquí fue llamada la Cumbia de los Pajaritos.

En estos días basta con bajar alguna aplicación de reconocimiento musical para tener ese casi desconocido tema. Pero, ¿y si llegas a un salón y ponen cumbias rebajadas? Eso es algo que no sabía pero que en Monterrey siempre ha tenido éxito, una cumbia a la cual se le ponen menos revoluciones por minuto, dando como resultado un sonido más espeso y pegajoso.

Residentadvisor
Fotografía de Residentadvisor

De la CDMX y de Puebla es hablar de muchos barrios donde hay algo que celebrar y que mejor que un sonido. Desconozco si aún se realiza el festival sonidero en la CDMX, el lugar elegido era el zócalo, donde se albergaban algunos de los sonidos más importantes, Sonido La Changa, Pancho de Tepito y su selección de salsa, La Conga, Fantasma, Puebla no pasó por alto eso, si bien hubo una época donde cada semana había un evento de distintos géneros músicales, siempre hubo algo con cumbia, en aquel tiempo eran Los Telez, Super G, Grupo Maravilla, dejando al sonidero en la parte under de Puebla, el mercado Jorge Murad Macluf, mejor conocido como la fayuca o Plaza Los Gallos, ahí a un ladito, sigue siendo referencia para toquines de punk y rock urbano como para los sonideros.

Hace ya un rato que se querían prohibir este tipo de eventos por no tener las condiciones de seguridad adecuadas, después de que en un baile, algunas pandillas se enfrentaran y una persona terminara muerta. Pero eso no es propio de los sonidos, en algunos conciertos de rock a los que asistí siempre había una bronca, tal vez no murió alguien pero pudo pasar, eventos como el 30-30 que se realiza en Los Reyes, en el Estado de México, también se vio opacado cuando alguien hizo detonaciones de arma de fuego y una marea de gente teminara por escapar del lugar saltando las bardas del lugar y al final derribar una para poder escapar. Creo que no podemos satanizar a otro grupo de gente cuando estamos igual de primates.

Sonidero
Fotografía de Eduardo Hernández

La selección siempre será variada entre cumbias, salsas, huaracha, sin contar lo electrónico como lo hace Ray-Mix o manejar distintos samples como lo hace El Dusty en Texas, creando un choque cultural entre lo anglosajón y lo latino dejándolo claro en sus videos y en algunos de sus temas colabora con Camilo Lara. Ah sí, y los Astros de Mendoza.

Algo como lo que hace Dusty, no lo había visto, quedaba muy alejado de lo que me habían platicado que pasaba en California, para ser exactos en Los Ángeles, donde algunos grupos de cumbia, lanzaban sus sencillos, de alguna forma se media la aceptación que podía tener en México, si les gustaba a los paisanos que estaban ahí, tendría más aceptación de este lado.

Más allá de la cumbia psicodélica como lo hicieron con la chicha y después Sonido Gallo Negro la trajera de vuelta, hay una cumbia en especial para hacer un viaje introspectivo, por así decirlo, aunque en su totalidad es mas darks, así es, también la cumbia puede ser dark y La Minitk del Miedo nos lo demuestra, una banda colombiana que tiene un interesante proyecto auditivo.

Con esto ya me dieron más ganas de salir a cualquier bailongo que caiga cerca de mi lugar de residencia, lo único que quiero es mover el bote o al menos ir a ver y a escuchar, pues bailar no se me da bien.


(Uy, tiempo sin escuchar tremendo rolón).

Alfred Hitchcock

– Iram de la Rochefoucault

 

Un 13 de agosto, pero de 1899, nace el extraordinario y genial director inglés Alfred Hitchcock.

Con una larga carrera en el cine (de 1929 hasta 1980), fue creador de un estilo particularmente llamativo, y ejemplo para muchos cineastas que no han logrado o apenas se han acercado un poco a esas tomas, escenas y manera de crear un suspenso e impacto fuera de lo común, pero a la vez tan cercano a la psique humana tan universal.

Fue hasta 1936 con su película The 39 Steps que llamó la atención e inició una larga carrera de éxito, en donde siempre había un toque personal, muy a su estilo y creó, con eso, el modo Hitchcock de hacer cine.

Ya famoso y siendo ultra conocido dirigió, en 1958, Vértigo, una pieza de horror psicológico con una historia que iba más allá de un argumento convencional. Pero es en 1960, con la creación de su obra maestra Psycho, cuando nace para la eternidad el apodo del “Maestro del misterio”, pero no sólo eso, hizo una obra que nunca se había realizado, algo único, una pieza de cine infinitamente sugerente, estremecedora en sus más mínimos detalles y con escenas nunca antes vistas hasta entonces en el cine, en el mundo.

Las escenas de Psycho han sido estudiadas, imitadas y admiradas por generaciones enteras, pero nunca han logrado esa maestría absoluta otros directores, aun con efectos especiales y otras herramientas, las escenas de Psycho siguen siendo un ejemplo a seguir para todo director joven y veterano. A partir de ahí, Hitchcock logró la inmortalidad, luego llegó Birds en 1963 y Topaz en 1969. Pero ya Hitchcock era, para siempre y por siempre, el ejemplo de lo que es un director de cine y uno de los genios del Séptimo Arte.

La revolución mexicana y los hermanos Serdán

– Editorial

 

El 20 de noviembre de 1910 dio inicio uno de los movimientos más importantes para los mexicanos: La revolución mexicana, movimiento liderado por Francisco I. Madero; él mismo fue el que dio a conocer esta fecha para el comienzo de este movimiento que buscaba sacar de la presidencia al Gral. Porfirio Díaz, pues dentro del país existía ya hartazgo luego que se reeligiera en numerosas ocasiones y ocupara el cargo de presidente de la república por 30 años. La hora exacta del levantamiento sería a las 6:00 p. m., según órdenes de Madero y así sucedió en distintos puntos del país,

Sin embargo, no debemos de pasar por alto que antes del 20 de noviembre ya había ocurrido el primer enfrentamiento que daría inicio a la revolución. Se trató de lo ocurrido en la casa de los Hermanos Serdán, poblanos que comulgaban con los ideales de Madero. La familia Serdán participó activamente en labores de propaganda política, en apoyo del candidato antirreleccionista Francisco I. Madero. Ellos se vieron alentados a participar después del fraude electoral de 1910, ya que esto los motivó a unirse a la revolución.

Ese 18 de noviembre de 1910, la policía de la ciudad de Puebla se enteró de la existencia de un arsenal clandestino en el domicilio ubicado en la antigua calle de Santa Clara No. 4, en el  centro de Puebla. Los elemento policíacos rodearon el domicilio y exigió a los hermanos rendirse y entregarse con las autoridades. Pero los hermanos Aquiles, Máximo y Carmen Serdán, acompañados de una docena de seguidores, hicieron casi omiso a la petición y decidieron enfrentarse con las armas que tenían a la mano.

Después de un enfrentamiento, de aproximadamente dos horas, en que claramente los hermanos y sus compañeros llevaban desventaja, -pues las autoridades enviaron a 400 soldados del Ejército Federal y a 100 policías, para aprehenderlos-, cedieron, a pesar de haber resistido más de lo esperado. Finalmente, la casa fue ocupada por las autoridades. Carmen, su mamá y la esposa de su hermano Aquiles, fueron remitidas a la cárcel; Máximo y otros de sus compañeros murieron en la refriega y Aquiles un día después fue localizado y asesinado.

Estos hechos posicionaron dentro de la historia de México a los hermanos Serdán como los primeros héroes, o mártires, de la revolución mexicana.

Brainwashed de George Harrison

– Editorial

Un día como hoy, 18 de noviembre de 2002, salió a la luz Brainwashed, disco publicado por la compañía discográfica Dark Horse Records, éste es el décimo y último disco grabado por el ex Beatle George Harrison, aunque fue bien recibido por la crítica musical, algunas revistas de este ámbito, como la reconocida Rolling Stones, señalaron que este disco dejó expuesto a un George Harrison que nunca pudo superar la separación de The Beatles, pues dentro de éste se manifestó nostálgico y un hasta cierto punto con un dejo de amargura, sin embargo, también se muestra un Harrison con vibraciones positivas del ser espiritual en el que se había convertido en sus últimos años de vida.

La grabación de este último disco fue realizada durante su batalla contra el cáncer, tal vez eso sea lo que lo hace especial. Para noviembre del 2001, Harrison falleció debido a esa terrible enfermedad. Pero ya con las directrices que había dejado para el lanzamiento del Brainwashed Jeff Lynne y su hijo Dhani pudieron lanzarlo un año después.

Los dejamos pues con Brainwashed, el disco póstumo de George Harrison.